続・セカンダリードミナント

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    またまた音楽の記事です。


    基本的復習であり、まだ考察の余地が奥深いセカンダリードミナントについて書いてみます。


    例えばCキーでドミナント→トニックという解決は、
    G7→C
    ですが、
    他のダイアトニックコードを気離肇縫奪と見立てて垢離疋潺淵鵐箸鮑遒辰
    解決感を出してやろうってのがセカンダリードミナントです。


    例えば
    Am→Dm
    という進行があったのならば、
    A7→Dm
    とドミナント7に置き換えてやるか挿入してあげたりするとぐっと来る感じになります。


    Cキーでのダイアトニックコードならば、


    A7→Dm
    B7→Em
    C7→F
    D7→G
    E7→Am


    と言った感じで作れるようです。

     

    セカンダリードミナントはその特徴である3rdと7thをメロディーに絡めることが効果的で、
    一番ぐっと来る響きに変わります。
    主に半音を絡めると良いですね。


    3rd:半音上がる時(3rdは上行性格)
    セカンダリードミナントの3rdの音は、
    半音上(解決する和音のルート)へ強く引かれる性質を持っている。
    例:
    コード:A7→Dm
    メロ:Db→D
    コード構成音
    G
    E A
    Db F
    A D


    7th:滑らかな下行(7thは下行性格)
    セカンダリードミナントの7thが下がるとき、
    進みたい方向に進めた!という快感がある。
    例:
    階名の隣の音へ E7なら7thのDがCへ


    というように基本的には3rdは上がり7thは下がる、と覚えておくと良いみたいです。
    例外もあって、
    3rdは半音下がってもすかしたような面白い響きを出します。
    例えば上行性格の3rdの音は後続の解決和音ドミナント7thに進む場合は
    半音で下行の性格によくなることを利用します。
    例:
    Cキー
    コード:E7→Am7
    メロ:G#→G
    コード構成音
    D G
    B E
    G# C
    E A


    メロをルートや5thに絡めるという場合もありますが効果は薄いような気もしますが十分使えますね。


    まず思い当たるのが(音高でなく)音程が上行はぐっと来て、下行は解決感、
    大雑把に見るとスケール外音含む借用和音して転調感があるからぐっとくる、
    音を聴けば納得であり楽典では3rdや7thに関してそういう行き方の性格になる、
    と書いてあるだけなので今自分は科学的な理由を考察してますが難航してます^^;
    周波数的にどうなのかとか言うレベルで理解しないと応用がしにくく、
    なんとなくモヤモヤしますよね。


    あまり底なし沼にはまらないよう理解していこうと思います。

     


    スケール考察

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      今回は音楽のスケールについて考察してみたいと思います。


      音楽には様々なスケール(音階)があります。


      メジャースケール
      ナチュラルマイナースケール
      ハーモニックマイナースケール
      メロディックマイナースケール
      ドリアンスケール
      ペンタトニックスケール
      スコットランド音階
      ヨナ抜き音階
      ニロ抜き長音階
      ブルーススケール
      中近東系音階
      陰旋法音階(上行、下行)
      琉球音階

      など


      これらスケールでイメージがガラリと変わってきますね。
       



      フリジアンスケール
      リディアンスケール
      ミクソリディアンスケール
      に関してはドリアンスケールの親戚みたいな響きの印象と自分は捉えています。


      これらは音の飛び方の違い、周波数の間隔の飛び方の違い、であって、
      それ以上でもそれ以下でもないわけですが、踏み込んで考えます。


      機銑擦琶造孱渦撮渦擦硫残の、記憶の連鎖、記憶の積み重ね、記憶の飛躍。


      以下、
      メジャースケール、マイナースケール、ドリアンスケール、
      で印象がどう違うかの考察の例。


      直感ではドリアンはメジャーとマイナーの真ん中で、印象的には明るいと暗いの間。
      暗すぎず明るすぎず哀愁がある感じ。


      ステップ数で考えると、
      気らそれぞれの音へのステップ数合計


      例:
      メジャースケール
      A B C# D E F# G#
      =合計0+2+4+5+7+9+11
      =38ステップ


      ナチュラルマイナースケール
      A B C D E F G
      =合計0+2+3+5+7+8+10
      =35ステップ


      ドリアンスケール
      A B C D E F# G
      =合計0+2+3+5+7+9+10
      =36ステップ


      マイナー(35)<ドリアン(36)<メジャー(38)
      複雑(暗い)←[印象]→単純(明るい)


      こんな感じでステップ数の微妙な違いの場合もあるから、
      そういう周波数の飛び方の記憶の合計が関係してるのかなとも考察出来ます。
      (ステップ数の合計の真意は不明)


      短音程と長音程では短音程は複雑な周波数比で
      調和しない難しい印象の響きになる=暗い、と解釈されていることをベースに以下を考察。


      ヨナ抜き音階はヒット曲に多いと言われてるけど、
      ヨナ抜き音階がたまたまヒット曲で使われてその音階を使えば売れると情報が伝わって
      みんなヨナ抜き音階で作るようになって数打てば当たる理論で
      ヒット曲にヨナ抜き音階が相対的に多いって考えも出来ます。


      でも論理的に考えると、ヨナ抜き音階が例えばCメジャーキーならFとBが抜けるわけで、
      FとBと言えば擦Bmb5(Bdim)が使われない=不協和音が使われない、
      →だから明るい音やコードのみに絞られる=周波数比的にシンプルな組み合わせが相対的に多くなり、
      だからポジティブ要素が強く善男善女向けに市場に出した明るい曲が一般人購買層に多く買われる。
      …からなのかとも思ったり。


      心理学では初頭効果と親近効果と言う最初と最後の印象が強烈ってのがあって、
      それぞれのスケールの機銑擦箸いΔ里呂修硫擦糧瑤喨間隔がずれたり入れ替わったりして
      機銑擦箸いθ楼呂棒擇蠎茲蕕譴襦⊆められるわけだから、
      気禄蘰効果であり、擦録洞畍果みたいなものであると捉えられるとします。
      ちなみに真ん中は妥協効果と言うらしい。
      CメジャーキーならFがそれにあたります。


      ということは、ヨナ抜き音階でBmb5の構成音であるBDFのうち、犬梁填┐Fと擦凌洞瓩Bを取り除き、
      擦箸い終わりがないまま明るく絞られた音で続いていくような曲が
      まるで連続ドラマみたいに感じて心理的に受けるのかもしれない…と思ったりもします。


      古今東西、生まれてきて耳にしてきた音楽にはその場その時での五感(特に映像)と合わさった印象であり、
      その印象を歴史的に習って踏襲してそれぞれのエンターテイメントにその時その場で合う曲が付けられています。
      文化の継承、共感の連なり、だからスケールは、「印象を使い分ける道具」だと結論付けます。
      そして時代とともにアレンジされある程度変化していくものです。


      自分が作った曲も何かしらのスケールであり、あるいは複数のスケールの混在。
      混在したスケールでメロディーに多様性が生まれます。
      逆に考えると、多様性も「選択したスケールたちのセット」であり、
      単純な「組み合わせ」であるとも言えます。
      既存のスケールが持つある程度の印象はやはりあって、
      それがあれこれ細かく連なって新しいスケールかのように聴こえるのだと思います。


      これら複数のスケールの種類や、組み合わせのコツがつかめてくると
      狙った印象の曲を素早く的確に作れるのかも…しれませんね。


      以上、スケールの簡単な考察でした。

       


      バンドプロデューサー5

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        https://www.dtmstation.com/archives/52019949.html
        クーポン使って2千円くらいでゲットしました。
        さすが激安のソースネクスト…!


        コード検出機能は「Band in a box」というソフトでも出来るのですが、
        今回バンドプロデューサー5のコード検出が気になり試すことに。


        大量の付属音源とかアレンジデータはいらないけど、
        耳コピ支援機能だけ手っ取り早く試したい、
        と言う時におすすめのソフトです。
        このソフトはノートPCにもデータも動作も軽い感じで入れられるのでなお良し。


        今の時代はフリーソフトやサイトでコード検出は出来るのですが、
        記事によると「現在最高の性能を発揮してくれるソフト」ということで試すしかないというわけです(笑


        試した結果は、確かに今までよりも適切なコードや音を拾ってくれている感じがします。
        有名所で海外の「Chordify」というサイトも試したりしたのですが、
        自分はバンドプロデューサーの方が直感的でしっくりきました。
        そこはさすが音楽ソフトの老舗KAWAIというメーカーが作っているだけあると思います。


        「作成モード」では耳コピして書き出したMIDIファイルなどを読み込んですぐに伴奏(ハーモニー)を作れます。
        これがAbilityとはまた別の伴奏パターンもたくさんあり、仕上がりの雰囲気も違和感無いのが多くてGood!
        耳コピしたコード進行をすぐに伴奏確認したいとき、そのままコード進行でオリジナル曲を作りたい時などに
        十分使える機能が備わっています。
        AbilityにMIDIを渡す場合はコードネームが消えてしまうのですが、
        和音とベースのトラックがあるのでそこでコードネームを判断するって感じで使えます。


        最初は買ってしばらく放置……って思っていたのですが、とりあえずインストールして
        触ってみたら軽くて早くて概要がつかみやすく、音楽理論を勢いをつけて勉強するのに一番良いソフトと感じました。
        久しぶりの良い買い物です。

         

         


        演奏記号で表情付け

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          スラー、スタッカート、スタッカティッシモ、テヌート


          これら演奏記号を使えば、表情付けで仕上がりが良く聴こえるだけでなく、
          いちいち休符を細かく入れ込む必要がなく、
          見やすい楽譜にして作曲、演奏出来るといった感じでしょうか。
          またDAWのピアノロールだとノートの長さを見た目で伸縮させたりゲートタイムを変えればいいのですが、
          ノートパレットなどでこれら音の長さの演奏記号を”意識”して使って入力していけば、
          だんだんと曲中での使い所とか表情の使い分けとかが明確に理解、区分されていきます。
          またアクセント記号も使って要所要所の大まかなVelを仮プロットとして先に決めてしまうってのもありです。


          演奏記号は演奏者の解釈で千差万別です。
          よって作曲の最初はDAWのノートパレットの機械的ルールの演奏記号で概要を仮ベタ打ちして、
          細かなニュアンスは最終仕上げのGTやVelやExpで作り込みます。
          このほうが体系的で効率的で作り込みがしやすいです。


          スラーのコツは音と音の間の隙間をなくす、GTを100。
          テヌートのコツは、GTを100にせず95くらいにする、テヌートを使うときにテンポを少し遅くすること。
          (ノートパレットではテヌートがGT100以上なので設定で95とかに調整しておく)
          スラーの後ろの音はスタッカート気味で演奏。
          スラーとスタッカートの組み合わせは小さいフレーズのまとまりなどで交互に使っていくとメリハリがあって効果的。
          演奏記号組み合わせ技はスタッカートだらけの中に点在するスラーをずらしたり色々とノリを付ける応用が可能。
          スラーの頭をテヌートで強調もOK。
          速度の緩急を感じさせます。


          これら演奏法を使いこなすとテンポを細かく調整したりすること以前に
          すでにメリハリや緩急ある曲に聴こえ、
          この演奏状態でテンポの緩急を加えれば初期のベタ打ち一定リズムから激変して
          かなり味のある人間味豊かな曲になります。


          「スラー+スタッカート」(メッゾスタッカート)という指定もあり、真逆要素の組み合わせですが
          伸ばすけどちょっとスタッカート気味にということらしいです。
          まあそれだったらテヌートで良いじゃないかって思いますが
          あえて演奏者のニュアンスに葛藤を生ませて考えてもらい繊細な作りにするのも大事みたいです。
          冷静に意味を捉えてテヌートだなってのもありですが笑


          ゲートタイム、ベロシティ、エクスプレッション、音量などでの表情付けは
          絵で言う所の塗りの仕上げやエフェクト付けに似てる感じです。
          土台が良いメロディーとハーモニーが出来たのに表情付けが無いと商品が台無しです。
          有る無しでは品質差がすごい出ますね。
          よって音楽理論の基礎を勉強中は後回しにしがちな表情付けですが、同時並行で使って行くのが大切です。
          ただし心理学で言う「感情の平板化」を表した映像シーンにBGMを割り当てる場合は
          あえて表情付けを弱くorベタ打ちした曲にすると効果的な可能性があります。
          この場合、表情付けをした曲と表情付けをしてない曲を両方作中の適切な感情のシーンに流すと、
          その落差をより感じやすいです。


          効果に意味付けをしていくと習得しやすいので、なるべく理論と映像を合わせて習得するのがコツです。

           


          連符

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            最近音楽の基礎部分の復習をしてます。
            受験勉強式に、あまり深く理解しないままの部分や苦手部分などを重点的にです。


            「連符」はリズムと拍子にあまり縛られず、自由にメロディーラインを細かくしたいときに便利。


            拍子に合わせてきっちりとしすぎたとき、幅を持たせるためたまにフェイントな感じで入れ込むといったイメージ。
            歌モノの歌詞の文字数調整とかの時も使いやすく、音楽の幅が広がります。


            Ability(DAW)ではスコアエディタで理解すると良いですが、
            ピアノロール打ち込みで慣れないうちは
            ノートパレットでN連符入力するとどのような間隔でノートの長さが分けられるかすぐ分かります。


            1〜2音(あるいはN拍)の間を連符にするときなど、
            連符の中の音符の音程はどのような流れにすれば良いかは、
            最初の音と最後の音はそのままにして、なるべくスケール内の音でなめらかにつなげるのがポイント。
            初頭効果と親近効果と言った感じでしょうか、2音の印象(記憶)を保ったままいい感じに音がバラける感じになります。


            楽譜上では分割数によって音符単位の記譜が変わります。
            慣れないうちはN連符入力で自動記譜して理解。
            全音符(4拍)を3つに分割とかもアリ。
            3拍子や複合拍子では連符アリ連符ナシのどちらでも記譜出来る。
            ここらへんは楽譜をたくさん見て記号的に捉え慣れていくしかない。


            今まで連符とかをまったく意識してなかった自分としては
            要所要所で使いこなせれば幅が本当に広がりそうと感じました。
            BGMなどメロディー印象を、
            連符少→そっけない
            連符多→おおげさ
            とコントロール出来ることになります。


            連符は早すぎて音程をとりにくい…、
            音声入力などで連符を口ずさむとき…、
            そんな時は口ずさみやすい適当な名詞など割り当てると良し。
            歌詞制作でもまず適当な名詞を割り当てて作る方法がありますね。
            最近の歌モノは早いテンポを要求されるので尚更。


            最近ポール・モーリアの曲で連符のおしゃれな感じなのがスーパーに流れていました。
            ロマンチックで大人な感じにも変化出来る連符。
            是非ともマスターしたいです。

             


            サビで完全4度を交互させるメロディー

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              完全4度、それはCからFやBからEなど5ステップの音高差の組み合わせですが、
              最近色々な曲を聴いていて”個人的”に感じることが・・・。

               

              イントロやAメロなどでsus4とかのコードを合わせて使う分には曲をふわふわさせてすごい綺麗。
              だけどサビで完全4度で細かく何度も揺らがせているメロディーの曲は、
              何かズコッっと感じてしまう気がするのです。

               

              不協和音ではないと思うのですが、盛り上がるタイミングでフワッてしてしまうのが違和感なのではないか、
              という素人ながらの説です。
              サビだし曲の勢い的には情熱があるんだけど、それに合う音の印象が付いてこないというか・・・。


              音楽理論にはこれはあまり使わないほうが良いって先人の教えなどがあり、
              地雷を避けるって意味ではしっかり意識して使い分けていきたいですね。

               


              オーケストラ曲作り練習

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                オーケストラ曲作り練習

                 

                 

                対位法も意識しつつ、久々にちょっと重めのオーケストラアレンジです。

                久石譲さんの曲を参考に、各楽器に伴奏や対旋律なんかも勉強しています。

                出来上がったのはクライマックスのようなシーンの盛り上がりですね…。

                まだまだ頭の中では、もっと激しくうごめく感じのフレーズや対旋律などぎっしりあるのですが、

                オペレートとアウトプットを追いつかせるのが大変です。

                 

                しなしながらだんだん頭でイメージした曲に対するコードやノート配置が掴めてきた気がします。

                作っていくアニメのシーンとそれに流れる曲というのが自分の中にあって、

                再現に想像以上に敷居が高いので燃えます。

                 

                使用してるオーケストラのソフト音源が激重で3Dで重いカットをやるより固まる確率が高くなってきました。

                なのでSSDに音源や制作プロジェクトを置いて作業してます。それでも音がプチプチするくらい重い…!^^;

                 

                しかしなんだかんだでHollywood Orchestraの音は本当に良いので、

                楽器の色々なパッチを細かく使いこなして行こうと思います。

                 

                 


                自由自在作曲

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                  メロディーが頭に浮かんで打ち込むとき、必ずしもCメジャースケールでない場合が多く、
                  メロディーも途中で転調したり部分転調などが多い場合、スケールとそのスケールのダイアトニックコードを確認して…
                  とやってると混乱してきますよね。

                   

                  そこで最近ダイアトニックコードを意識せず、
                  脳内で鳴っている音をそのまま対旋律や伴奏の音からのヒントで得られるコードを
                  入れ込んでいくやり方がやりやすいと感じました。
                  コツはまずメロディーの音を仮にコードの5thの音としてダイアトニックコードの根音を見つけ出し、
                  メジャーコードかマイナーコードかにして音の重なりが脳内のイメージ通りか確かめます。
                  合わなければメロディーを3rd、1stと捉えてコードを打ち込んでいくとスケールとケーデンスが見えてきます。
                  また7thや6thやaug、dimなどもメロディーの音として捉え、滑らかなつなぎにしようとするのも良いかもしれません。
                  むしろここらへんをバンバン使えるようにしたほうが玄人っぽく、大人っぽくもなる気が…。

                   

                  最初メロディーを無理やりCメジャーで作ってたとして、途中から転調する場合もこのやり方で
                  コードをGm、Fm、Cm、A#m、と音が合う感じで入れてくると、これはCmスケールだなと分かってきたりするわけですね。
                  ということは最初から何のスケールかわからずFメジャーとか別のスケールで作り始めてる場合もこのやり方をすれば
                  打ち込んでいくコードの情報から明確にスケールが分かってきます(慣れてくるとメロディーのノート配置だけでピンとくる)。

                   

                  しかし昨今の曲では別のスケールの音がバンバン入り込んでくるので、あまりスケールも意識せず
                  イメージと合うコードを連ねていくのが良いかと思います。

                   

                  イメージの通りの自由自在な作成手順としては、

                   

                  メロディー→対旋律→クリシェを意識したベース→コード→全体アレンジ

                   

                  という流れがダイアトニックコードに縛られすぎず、新しいコードやモーダルインターチェンジなどがたくさん盛り込めて
                  音楽性の高い曲になっていく気がしました。

                   

                  また自分の場合、鍵盤で弾いてメロディーを作り始めるとその音に引っ張られすぎて、
                  脳内で鳴っている音のスケールとかコードがずれてくるので、
                  頭で鳴っている音をなるべく一発で慎重に鍵盤のどこの音か当ててから、思った通りの音を打ち込んでいく、
                  というクイズみたいなやり方でやるようにしました。

                   

                  これで慣れて鍵盤の音とその位置が掴めるようになってくれば、ペンタブや液タブで絵を描くかのごとくに
                  仮打ち込みが捗るような気がします^^
                  ゴールはMIDIキーボードを手と足のような状態にすることですね。
                  鼻歌でマイク入力してからのトレース的な打ち込みでもいいのですが、
                  それをマウスで打ち込み直すというのはマウスで絵を描くことに近いのではないかと思った次第であります。

                   

                  音楽家の方々の個性の一つとして、対旋律の作りがかなり個性を決定付けるものと感じてます。
                  あまり対位法が音楽の学校でも取り扱われにくい点も、個性で色々と変わってくる部分だからなのかなぁと。

                   

                  市販の楽譜を見てると、Cメジャースケールの曲でなぜここにF#dimが来るのか…でも綺麗に聴こえる…というような謎も、
                  そのカウンターメロディーやそのベースのクリシェがあるからそのコードが決定されている、とわかります。
                  ダイアトニックコードでは補えない部分にそれら要素から構成される音でスケール外のコードが決まってくるわけですね。

                   

                  これプラス、ケーデンスでの音の連なりの雰囲気(ローマ数字)を意識していくと、
                  さらに自由自在な作曲になってくる気がします。
                  セカンダリードミナントや裏コードとかの話が入ってケーデンスも混乱もしてきますが、
                  慣れればそれも体系的に見えてきそうです。

                   

                   

                   


                  対位法もどき

                  0

                     

                    対位法練習

                    ※追記:盛り上がる所のメロ修正とキーを変更してみました

                     

                    対位法の本を読みながら作ったメロディーで対旋律の練習をしてみました。
                    クラリネットのメロに対してストリングスとフルート、トロンボーンで追いかけるようなのをちょっと入れてます。


                    本にはまず強拍にメロに対して3度か6度の音程差で音符を置きましょうってなっていて、
                    それ以外の度数に対しては反行して進むとかいうのは意識してないです。
                    そろそろギターとピアノの伴奏もコードのまま単調じゃなく
                    メロに合わせて抑揚するような作り込みにしていきたいです。

                     

                    しかしながら今回はここまで。無駄に推敲しすぎるとノイローゼになりかけるので(笑
                    ちょっとずつ進歩を積み重ねていきます。

                     

                     


                    DAWの音が再生されないとき

                    0

                       

                      トラブルシューティングのメモです。

                       

                      自分が使っているDAWでAbilityProで、ごくたまに音が再生されない、最初の位置から再生ボタンを押しているのに

                      途中の小節からインジケーターが動き出す、と言った状態で作業不可の状態がずっと前(2年前くらい)からあって、

                      その度にPCを再起動すれば直るので全部アプリを終了させては数分待って作業再開…というのを繰り返していました。

                       

                      しかし先程PCが起動した状態で直すことを発見しました。

                      自分の場合、SSWを買ったときに付いてきたオーディオインターフェースで

                      tascam US-144MKIIというのを使っているのですが、このUSBケーブルををぶっこ抜いて挿し直します。

                      これだけです。

                       

                      ずっと昔にオーディオインターフェース系をむやみに抜き差しするとぶっ壊れるということでためらっていたのですが、

                      特に壊れる気配はないので最近は思い切って挿し直してます。

                       

                      とは言えかなり強引なやり方なので、同じ症状の方は自己責任でお願いします^^;

                       

                       


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